4 августа перед входом в галерею MuseumLV культурного центра GRATA JJ установлен художественный объект «I», который является частью масштабного проекта двух авторов - Юлии Эреско и Яниса Страуме - Бролиша под названием «К СВЕТУ».


Jānis Straume - Brolišs
Jūlija Eresko
Проект «К СВЕТУ»

Проект «UZ GAISMU» будет напоминать нашим современникам о внутреннем свете, способном творить и менять мир в лучшую сторону. Авторы создают объекты, не привязанные ко времени или конкретным событиям, они посвящены явлениям, движению мысли и наблюдениям за современным обществом. Kоличество образов, место их возникновения и продолжительность жизни объектов не ограничено временными рамками и зависит только от желания авторов передать свое творческое высказывание зрителям. «Ищите наши объекты, найдите собственный внутренний свет».

Что есть человек? В июле 2012 года ученые ЦЕРН заявили, что им удалось обнаружить новую субатомарную частицу - возможный "бозон Хиггса" или "частицу Бога", которая, согласно Стандартной модели физики, создала Вселенную. Эта нестабильная субатомная частица создает, удерживает и изменяет всё, что существует в известном человеку мире. Но если отойти от теории и взглянуть на существование и взаимодействие с точки зрения метафизики, то мы все есть взаимодействие энергий души. А душа - это свет, это энергии, созданные нашими эмоциями, желаниями, стремлениями, тревогами, убеждениями, верой. У каждого из нас своя вибрация, свой свет, свое влияние на мир. В поисках наших объектов находите свой внутренний свет.



Объект #I

Композиция расположена у входа в художественную галерею MuseumLV культурного центра GRATA JJ и представляет собой две фигуры из неонового света и металла, зафиксированные над землей на высоте 2,6 метра.

Свет нашей нации формируется нашими чувствами, знаниями и культурой, ее наследием и нашим отношением к нему. Красивый язык поэзии и литературных произведений, наши обычаи и традиции, передающиеся из поколения в поколение, наши таланты к песне и танцам, которые мы развиваем и демонстрируем на Празднике песни и танца уже 150 лет, укоренились в наших сердцах. Это то, на что мы опираемся в своей повседневной жизни, то, что лелеем и бережно храним, то, что создает нас, заставляя чувствовать себя сильными и едиными, возможно, даже не осознавая, что это и есть источник света нашей души.
Именно этот свет так ярко сияет в наших душах, он стремится найти и объединиться с теми, кто формирует такую же энергию в себе. Эта история о нас, о невидимом и не материальном в повседневной жизни. В поисках наших объектов находите свой внутренний свет.


Объект #II

Композиция «ДУХ ТВОРЧЕСТВА» интегрирована в экспозицию Юрмальского музея под открытым небом в рамках конкурсной выставки биеннале «Marīna 2023» Городского музея Юрмалы и состоит из 4 световых объектов.

Герой рождается там, где линия жизни соприкасается с линией судьбы, превращая простого человека в легенду о стойкости, мудрости и силе духа. И только он знает подлинную цену своего решения следовать линии предначертанной ему судьбы.


https://www.diena.lv/raksts/kd/kd-afisa/instalacija-_i_-14303597

Друзья, в преддверии XXVII Вселатвийского Праздника песни и XVII Праздника танца приглашаем вас на встречу, которая состоится 28 июня в 19:30 в галерее MuseumLV культурного центра GRATA JJ.

Вечная новь: нация в европейской культуре 19 века. Взгляд в будущее?

В лекции профессора Академии художеств Латвии, Дениса Ханова, будет предложен анализ понятия нации, ее истории и широкая панорама версий на тему - каково будущее нации в глобальном мире?
Параллельно мы совершим путешествие в историю 19 столетия Латвии, в период создания первого праздника Песни 1873 в Риге, познакомимся с судьбами лидеров национального движения и узнаем, как русские интеллектуалы 19 столетия, рижане, наблюдали за приготовлениями к празднику и что думали о латышском национальном движении.




Можем ли мы представить себе на мгновение, что в мире нет наций, что само понятие перестало существовать? Кажется, что нация была и будет вечно. Однако еще чуть менее 250 лет тому назад нация была чем-то новым, даже революционным. Нацию и ее приверженцев преследовали в 19 столетии и сегодняшний мир с трудом может уследить за тем как быстро и как по-разному развиваются нации, кто к ним принадлежит и как это меняет само понятие. Вопросов множество, однако столь же различны и многообразны ответы, версии и варианты существования современной нации. Нация - понятие сравнительно новое, но “вечность” нации у многих ее авторов не вызывает сомнений. Как возможно такое единение новизны и старины?



Лекция предназначена для широкого круга слушателей без предварительных знаний и будет проходить на русском языке.

Вход на лекцию свободный, обязательна предварительная регистрация до 27 июня по телефону галереи или маилом.

















Draugi, sakarā ar XXVII Vislatvijas Dziesmu svētkiem un XVII Deju svētkiem aicinām uz tikšanos, kas notiks 10.jūlijā plkst.18:00 kultūras centra GRATA JJ galerijā MuseumLV.

Mūžīgi jauna: nācijas tēli un simboli Eiropas kultūrtelpā 19.gs. Skats nākotnē?

Latvijas Mākslas akadēmijas profesora Denisa Hanova lekcija piedāvās nācijas jēdzienu, tās vēstures analīzi un plašu iztirzājumu par tēmu - kāda ir nācijas nākotne globālā pasaulē?
Paralēli dosimies ceļojumā Latvijas 19.gadsimta vēsturē, pirmo Dziesmu svētku (1873.g) tapšanas laikā Rīgā, iepazīsimies ar nacionālās kustības līderu likteņiem un uzzināsim, kā 19.gs krievu intelektuāļi, rīdzinieki vēroja gatavošanos svētkiem un kādas bija viņu domas par latviešu nacionālo kustību.

Vai mēs uz mirkli varam iedomāties, ka pasaulē nav nāciju, ka pats jēdziens ir beidzis pastāvēt? Šķiet, nācija ir bijusi un būs mūžīgi. Tomēr pirms nedaudz mazāk, nekā 250 gadiem "nācija" bija kaut kas jauns, pat revolucionārs. Nācija un tās piekritēji tika vajāti 19. gadsimtā, un mūsdienu pasaule diez vai var izsekot, cik ātri un atšķirīgi attīstās nācijas - kas tām pieder un kā tas maina pašu koncepciju. Jautājumu ir daudz, taču tikpat dažādas ir atbildes, versijas un iespējas mūsdienu nācijas pastāvēšanai. "Nācija" ir salīdzinoši jauns jēdziens, taču daudziem tās autoriem nav šaubu par nācijas “mūžību”. Kā ir iespējama šāda novitātes un senatnes vienotība?

Lekcija paredzēta plašam klausītāju lokam bez priekšzināšanām un notiks latviešu valodā.

Ieeja lekcijā bez maksas, nepieciešama iepriekšēja pieteikšanās līdz 9. jūlijam, zvanot uz galeriju vai rakstot e-pastā.


Foto: Arta Ozola- Jaunarāja "Kāzas Nīcā" (1996)

Pastmarka. Latvijas tēls. Artas Ozolas-Jaunarājas versijas

Mākslas galerija MuseumLV un Kultūras centrs Grata JJ 

10.06. – 29.07.2023.

         Mākslas galerijas MuseumLV un Kultūras centra Grata JJ telpās līdz 29. jūlijam iekārtota vērienīga mākslinieces Artas Ozolas-Jaunarājas personālizstāde “Pastmarka. Latvijas tēls. Artas Ozolas-Jaunarājas versijas”, kurā pirmo reizi tik izvērstā ekspozīcijā  parādīta autores sadarbība ar Latvijas Pastu. Māksliniece turpat trīsdesmit gadu laikā darinājusi ap 100 pastmarku ar ļoti daudzveidīgu tematiku. 

         Izstāde iekārtota atbilstoši tēmām, pie kurām māksliniece strādājusi īpaši nozīmīgi. Skatītājiem iespēja aplūkot Dziesmu svētku 150. gadskārtai veltītās jaunās pastmarkas oriģinālus kopā ar izcilās porcelāna mākslinieces Zinas Ulstes figurālo kompozīciju “Dejotāju pāris” (1954). Tā klātbūtnei izstādē ir dziļi simboliska jēga parādot ne tikai mūsu tautas tradīciju noturību, bet arī personiskā aspektā – tas ir cieņas apliecinājums autores mātei un tēmai, ar kuru Arta Ozola-Jaunarāja uzsāka sadarbību ar Latvijas Pastu. 1993. gadā māksliniece uzvarēja skiču konkursā ar piedāvājumu radīt pastmarkas ar tautastērpiem. Šajā laikā radītas atsevišķas pastmarkas un sērijas “Tautastērpi”, “Ziemassvētki”, ”Līgosvētki”, “Lieldienas”, “Cimdi”, “Etnogrāfiskās rotas” – daļa šo pastmarku skices un oriģinālzīmējumu tāpat ir atlasīti izstādei un parādīti kopā ar tajās attēlotajiem priekšmetiem. Artai Ozolai-Jaunarājai daudzu gadu garumā izveidojusies sekmīga sadarbība ar Tautas tērpu centru “Senā Klēts“. Viņa ir iekārtojusi grāmatu “Latviešu cimdi”, kas jau izdota septiņās valodās. Tālab arī  Tautas tērpu centrs ar lielu atsaucību piedāvāja eksponēt dažādu Latvijas novadu cimdus, Nīcas novada tautas tērpus un rotas no savas kolekcijas. Atsevišķā telpā izvietotas pastmarkas  no sērijas “Latvijas Nacionālie bruņotie spēki”, “Saeima” un sociālām tēmām, ko zīmīgi raksturo instalācija – mākslinieces sadarbībā ar Vari Dzērvi pērn radītais Zolitūdes traģēdijas piemiņas vietas noformējuma mets. Ekspozīcijas turpinājumā otrajā stāvā skatītāji vispirms var aplūkot pastmarkas no sērijas “Izcilas Latvijas zinātnes un kultūras personības”. Atsevišķā telpā kopā ar karti ar bākām un fotogrāfijām izvietotas pastmarkas no mākslinieces pašas 2004. gadā iniciētās sērijas “Latvijas bākas” – uz dažām no tām arī ir redzami eksponāti no Rīgas vēstures un kuģniecības muzeja krājuma. Nākamā telpa aplūkojama pastmarku sērija “Latvijas muzeji”. Medicīnas un Porcelāna muzeja pastmarkās attēlotie priekšmeti rosināja ekspozīcijā iekļaut mākslinieces sadarbībā ar Vari Dzērvi radīto grafikas ciklu pēc F. Garsika Lorkas dzejas motīviem “Kasida par tumšām dūjām” un porcelāna atlējumu formas no Rīgas porcelāna muzeja krājuma. Līdzās Latvijas Pasta bērnu literatūrai un lellēm veltītām pastmarkām sērijā “Europa” parādīta pavisam neliela daļa no Artas Ozolas-Jaunarājas bērnu grāmatu ilustrācijām – tā ir kolāžu sērija viņas pašas sarakstītai un ilustrētai grāmatai “Kurmītis un sudraba kurpes” (Zvaigzne ABC, 2020), kā arī Latvijas Pasts izdotai, speciāli pasta tematikai veltītai Rutas Svažas bērnu grāmatai “Brīnumu diena” (2022). Vēl viens izstādi vienojošs spilgts un tikpat raksturīgs pasta simbols – šajā grāmatā attēlotie baloži – instalācijas ar tiem redzamas abos galerijas stāvos. 

           Mākslinieces pastmarkām raksturīga informatīvi un vizuāli piesātināta izvērsta kompozīcija, līdz filigrānai meistarībai izstrādātas detaļas, spēja radīt spilgtus vēstījumus – miniatūrus stāstus par mūsu valsti, mūsu vērtībām un ideāliem. Tālab Artu Ozolu-Jaunarāju pamatoti var uzskatīt par vienu no vadošajām Latvijas kā valsts vizuālā tēla veidotājām. 

         Izstādes atklāšanā 9. jūnijā notika mākslinieces Artas Ozolas-Jaunarājas darinātās Dziesmu svētku 150. jubilejai veltītās pastmarkas prezentācijas pasākums, kurā piedalījās LR Kultūras ministrs Nauris Puntulis un Latvijas Pasta valdes priekšsēdētājs Mārcis Vilcāns un Latvijas Nacionālā kultūras centra pārstāvji.

Izstādes kuratore Irēna Bužinska, scenogrāfija - Jūlija Eresko, Irēna Bužinska.

Par mākslinieci Artu Ozolu-Jaunarāju.

              Arta Ozola-Jaunarāja dzimusi 1963. gada 10. janvārī Jelgavā. Beigusi Latvijas Mākslas akadēmiju grafikas specialitātē (1988), ieguvusi humanitāro zinātņu maģistra grādu (2003).

            Darbības jomas – stājgrafika (oforta, aukstā adatas, augstspiedes u.c. tehnikas), grāmatu ilustratore (sadarbība ar Jānis Roze, Jumava, Daugava, Valters un Rapa, Alberts XII, Artava, Preses Nams, Rasa ABC, Zvaigzne ABC, Nordic, Vaga u.c); reklāmas un grafiskais dizains, iepakojuma un monētu dizains. Izstādēs piedalās kopš 1986. gada. Latvijas Mākslinieku savienības biedre kopš 1993. gada. Sarīkojusi personālizstādes Rīgā, (stājgrafikas; 1994), galerijā “Senā klēts” (tautas tērpiem veltīto pastmarku sērija, 1997), Jelgavas Vēstures un mākslas muzejā (kopā ar V. Dzērvi gleznu cikls “Doriana ceļojumi”, 2021), “Apokalipse. Jātnieks Nr.4”, Rīgas Centrālās bibliotēkas Izstāžu zāle (ar pseidonīmu Marija Antuanete, kopā ar V. Dzērvi gleznas, objekti, instalācijas, video, 2022). Grāmatu konkursa Zelta ābele, kā arī starptautiskā Baltijas valstu grāmatu konkursa žūrijas locekle (2014, 2020). Guvusi starptautisku atzinību kā grāmatu ilustratore, tai skaitā 1. godalga 21. starprepubliku grāmatu dizaina un ilustrāciju konkursā (1988), diploms 2. Rīgas miniatūrgrafikas triennālē (1990); diploms grāmatu mākslas triennālē Viļņa-90; diploms un prēmija Baltijas valstu grafikas triennālē Zviedrijā (1993); vairākkārtēja konkursa Gada skaistākā grāmata (2001–2005) balvas ieguvēja; galvenā balva grāmatu mākslas konkursā Zelta ābele (2008), diploms Rīgas bilžu grāmatu kvadriennālē (2014). Latvijas bankas kolekciju monētu sērijā tapis dizains monētām “Krišjānis Barons”, “Krišjānis Valdemārs”, “Rainis” un “Rainis un Aspazija”, kas ieguva godalgu starptautiskajā monētu konkursā “Coin Constellation 2016”. Latvijas Pastam darinājusi ap 100 pastmarku un mākslinieces sadarbība ar Latvijas Pastu turpinās. Mākslinieces pastmarkas vairākkārt ieguvušas Gada skaistākās pastmarkas vērtējumu (2011, 2013, 2019). 

Raksti presē:

https://www.lsm.lv/raksts/kultura/dziesmu-un-deju-svetki/05.06.2023-dziesmu-svetku-150-gadskartai-velta-jaunas-pastmarkas-dziesma-un-deja.a511453/

https://epadomi.com/kulturasvestis/izstade/19052023-aicina_apmeklet_izstadi_pastmarka_latvija

https://lr1.lsm.lv/lv/raksts/labriit/maksliniece-arta-ozola-jaunaraja-radijusi-ap-100-pastmarku-diza...


https://nra.lv/dzivesstils/kultura/418584-maksliniece-arta-ozola-jaunaraja-katra-pastmarka-ir-stasts...

https://www.la.lv/pasta-baloza-aplidotie-makslas-darbi

https://www.diena.lv/raksts/kd/maksla/foto-atklata-makslinieces-artas-ozolas-jaunarajas-veidoto-past...


https://www.delfi.lv/kultura/50055687/dziesmu-un-deju-svetki/55636310/prezentes-dziesmu-svetku-150-g...

Режим работы галереи на Пасху ☀???? Четверг: 11:00 - 19:00 пятница: Выходной Суббота: 11:00 - 17:00 Воскресенье:Выходной Понедельник: Выходной Счастливых праздников!

Гирт Бороновскис
«Широкоэкранный пейзаж». Пастели

Юбилейная выставка в галерее MuseumLV,
06.04.2023. – 27.05. 2023.

Гирт родился и вырос в Риге. В положенное время он пошел в 24-ю среднюю школу, на перекрестке улиц Таллинас и Кр. Барона. Ему повезло с учителем рисования, руководившим соответствующим кружком. Молодой в ту пору художник Вилис Визулис заметил особое дарование Гирта в области изобразительного искусства, талантливый ученик представлял школу на олимпиадах по рисованию, и в конце концов педагог убедил его родителей, что мальчику надо продолжить учебу в художественной школе имени Яниса Розенталя.
Хоть и с небольшой задержкой, но поступить удалось сразу – он остался первым «за чертой», но все-таки был принят. Художник с душевным теплом вспоминает своего классного руководителя, живописца Уно Данилевскиса, трогательно заботившегося о своих воспитанниках, их росте и развитии. Преподавательница Лига Бокалдере, в свою очередь, пробудила в мальчике интерес к графическим техникам, наряду со специальными учебными дисциплинами она вела кружок графики. Живопись Гирту давалась не так бойко, как одноклассникам, поэтому у него возникло особое чувство к преподавателю этого предмета Иманту Мелдерсу, помогавшему не терять интерес и совершенствовать мастерство.
Школу Розенталя юный художник окончил дипломной работой, выполненной в технике линогравюры, на тему «Труд на заводе».
Затем Академия художеств, учеба на отделении графики, руководимом Александром Станкевичем. Наряду с рисованием и графикой Гирт пишет акварелью и гуашью. После 4-го курса студент усиленно обращается к книжной графике, и его главным учителем, а также куратором дипломной работы становится классик латышской станковой графики Петерис Упитис. Гирт – один из последних учеников мастера. Дипломной работой становятся иллюстрации к роману Андрея Упита «На грани веков». Примечательно, что уже в это время ему хватает самостоятельности мышления и художественной зрелости, чтобы отказаться от печатной графики и выполнить иллюстрации как рисунок тушью и пером и смешанной технике.
Как ни парадоксально, но мощным импульсом в художественном развитии для Гирта становится брак. Его супруга Иева Калниня родилась в семье известных латышских художников Риты Валнере и Эдуарда Калниньша. Именно Валнере советует молодому автору попробовать себя в пастельной живописи, и как раз пастель со временем стабильно становится для Бороновскиса главной техникой, тонким отражением личных переживаний и настроений природы.
В свою очередь, опыт и обширная техническая база Эдуарда Калниньша побуждает художника всерьез заняться фотографией. Он не только много снимает, но и сам проявляет пленки и цветные диапозитивы, печатает черно-белые фотографии в домашней лаборатории.
Еще обучаясь в Академии художеств, Гирт начинает работать в Музее истории Латвии (теперь Национальный музей истории Латвии). И параллельно с другими занятиями продолжает это делать все эти годы, по сей день. Судьба сложилась так, что работа музейного художника стала главным делом его жизни. В этой сфере он достиг многого. Как автор множества значимых выставочных проектов, в том числе и в музеях с мировым именем, Гирт Бороновскис хорошо известен и уважаем не только в Латвии.

В детские годы художника кино было одним из популярнейших развлечений, и кинотеатров в Риге было много. Среди них особо выделялся «Палладиум» со своим широким экраном. Изображение на экране было широким настолько, что для полного охвата картины приходилось вертеть головой, особенно, если не повезло и приходилось сидеть в первых рядах.
Так и с природой, когда человека охватывает мощь окружающего со всех сторон пейзажа. Технологии развиваются, предлагая панорамные и широкоугольные возможности фотофиксации. Но как воплотить это чувство безграничного ландшафта в произведении? Обычно художников это волнует мало – сколько поместится, столько и изобразят. Гирт же относится к тем редким пейзажистам, кто ищет особые форматы и стремится вместить это волшебное ощущение бесконечности ландшафта, этот особый настрой в свои работы полностью. Так, чтобы у зрителя захватывало дух.
Главная тема автора – отражение настроений природы и вызванных ими рефлексий в человеческой душе.
Гирт ищет их во временах года, освещении, природных фактурах. Он пишет туман, дымку, воду, закат, луг – просто спокойное настроение. Художник не пишет море с его непрестанным движением, не пишет камни – ведь в природе они тверды, а на картинах не всегда. Луну Гирт тоже не пишет. Это «не пишет» объясняется не внутренним запретом, а самокритикой – смогу ли я, получится ли у меня достаточно убедительно? Художник творит свои работы, думая о зрителе; его мотивирует и собственный рост, и оценка со стороны.
Выставка «Широкоэкранный пейзаж» в своем роде уникальна, так как это одна из редких персональных выставок Гирта Бороновскиса, полностью подтверждающая мастерство зрелого художника.

Ивета Лауре, художница, Mag. art

Рига, апрель 2023 года

Перевод Александры Заматаевой

Гирт Бороновскис “Жёлтый луг”, пастель, 100 x 55 cm, 2022.

CV


https://www.liveriga.com/en/visit/events/exhibitions/girts-boronovskis-solo-show-flatscreen-landscape

https://spletnik.lv/ru/latviesu-kultura/1123-girts-boronovskis-platekrana-ainava-pasteli.html

https://www.diena.lv/raksts/kd/kd-afisa/girta-boronovska-izstade-_platekrana-ainava_-14296587

https://pilsetas.lv/pasakumi/girta-boronovska-izstade-platekrana-ainava

На втором этаже галереи MuseumLV продолжается персональная выставка Юлии Ересько «SOS. Жизнь имеет значение» Часть II. Инсталляция «Город, оставленный людьми» - это иллюстрация результата разрушительного действия нашей агрессии друг против друга в повседневной жизни и ее роль в уничтожении жизни на Земле. Это призыв к миру, к поиску «за», а не «против», к продолжению мирного сосуществования. В инсталляции «Город, оставленный людьми» мы создали своими руками пространство, уничтоженное агрессией человека. Создали для того, чтобы оценить потерю себя, почувствовать масштаб надвигающейся катастрофы. Для того, чтобы этого никогда не произошло в реальном мире.» JJ/2022

Описание инсталляции

Переступив порог Города, вы на секунду замираете на серебристо - белом полу узкого коридора, пытаясь рассмотреть светящийся холодным неоном красный круг и обычный, казалось бы, ключ от входной двери, парящий в центре этого объекта. Ключ, поворот которого даёт команду старта смертельному орудию SS-20. Фотография этой ракеты во всю высоту помещения нависает над зрителем пугающим моментом запуска и заставляет нас поднять глаза выше, к краю бетонного забора. Эту стену советских времен, обнесенную колючей проволокой, узнает каждый житель Латвии, переживший те времена, а вот граффити, автором которых является не только в нашей стране, но и далеко за ее пределами, анонимный художник KIWIE, придает ему живописность и актуальность. Жанр его творчества - уличное граффити как свидетельство времени и событий, как прямое, откровенное и громкое художественное высказывание, мимо которого невозможно пройти, опустив глаза, невозможно остаться равнодушным, невозможно ответить так же анонимно - себе, про себя, про своё отношение к этому миру. KIWIE слышат все, его искусство разбудить эмоции прохожих узнаваемо и, вероятно, сохранится посланием и нашим детям, побудит искать ответы на вопрос: что каждый из нас создаёт, чтобы заполнить ноосферу Земли волей к жизни, желанием развиваться и процветать.

Об участниках проекта «Город, оставленный людьми.»


Проект «Город, оставленный людьми.» собрал вокруг себя не просто профессионалов, но настоящих единомышленников, художников-интеллектуалов, стремящихся через свои работы показать, что мир без людей не имеет значения, он слеп и бездушен, бесполезен и мёртв. В создании инсталляции приняли участие художник по неону Jānis Brolišs , граффити художник KIWIE - стена «Blind», Vlad Černovs - световая инсталляция «Системный пульс», Alex Veingarts - видео работы «Бункер», «Вечный закат», аудиодизайн проекта - Илья Калинин.

«Портал», «Горизонт событий», «Ключ от ящика Пандоры», «Life matters» созданы в коллаборации с художником, мастером неонового света Jānis Brolišs. Его объекты из стеклянных трубок, вмонтированные в работы, поражают сложностью работы с хрупким материалом, точностью и аккуратностью исполнения, четко выверенными линиями и силой воздействия света на зрителя. В четырёх крупноформатный работах светящиеся неоном трубки создают иллюзию, открывающую портал в космос художницы, в параллельную реальность, существующую между светом и тьмой, а обрамлённый в красный круг ключ, запускающий смертельное оружие, становится главным действующим элементом драмы мирового масштаба.

Jūlija Eresko (JJ) получила художественное образование в Boston Art Institute, а также в Rīgas Dizaina koledža и British Academy of Arts in Rome по специальности живопись и графика. Работала в сфере визуальных искусств, а также разрабатывала дизайн интерьеров, дизайн мебели и предметов интерьера. Участвовала в многочисленных выставках как в Риге, в Юрмале, Даугавпилсе, так и за пределами Латвии. В 2017 году основала культурный центр GrataJJ и галерею MuseumLV в Риге и Швейцарии, а в 2018 году - благотворительный фонд Grata Art Foundation. Является автором и сценографом многочисленных проектов, организованных галереей MuseumLV как в Латвии, так и за рубежом, по сей день руководит галереей и культурным центром Grata JJ.

С благодарностью за творческий вклад и поддержку: Ирене Бужинской, Лауре Туча, Янису Пуга, Кристине Мартыновой, Дидзису Гродз, Евгении Шафранек, Янису Бролишу, за перевод текстов Дите Лусе, Ирене Петровой, Илмару Звиргзду.

Денис Ханов, доктор гуманитарных наук

В далекие семидесятые годы ХХ столетия антрополог Клиффорд Гирц пытался описать человека. Человек этот был новым и сопротивлялся старому описанию. Культуры стремительно освобождались от колониального господства белого человека и пытались поведать о стертых и забытых историях. Для успокоения коллективной совести европеец порабощение и эксплуатацию назвал цивилизационной миссией.

Такая цивилизация пала, и отголоски падения слышны до сих пор – в мире царят созданные европейцами бедность и насилие, породившие терроризм, травмы памяти и реваншизм. Все это наполняет наше существование тягостным ощущением темноты, накрывшей радужный мир веры в прогресс и движение к лучшему.

Гирц пытался разглядеть в беспокойстве человека культурные смыслы и пришел в выводу, который дает слабую надежду на изменение положения: мир есть суть значений, которые человек порождает из себя. Человек, частично находясь в природе, частично – в созданной им реальности-культуре, может менять оба пространства. Важнейший вопрос этой способности: каковы смыслы, которые человек вкладывает в основные понятия создаваемого проекта Земля?

Последние десятилетия, наполненные экологическими катастрофами, войнами, пандемией и политическим радикализмом, волной насилия в соцсетях и агрессивным потребительством, вопиют о том, что способность создавать смыслы направлена человечеством во зло, быстро сменяющее яркие маски благочестия, радения и процветания, прогресса, чудесного избавления и постоянного движения. Однако художница Jūlija Eresko (Юлия Ересько) позволила себе мятеж смыслов и маску эту, венецианскую, типичную своей туристической мишурой, на своем полотне сорвала и выбросила в холодное пространство некой абстрактной космической темноты. Так позолоченная маска и парит в смысловой невесомости, созданной как печальное предупреждение художницей и сценографом в цикле SOS Life Matters, открывшемся в ноябре этого года в галерее Museum LV.

Центральная идея выставки – смерть тех самых смыслов, за которыми с интересом наблюдал ученый прошлого века – века, когда футуристические видения человечества о космосе были сильнейшим энергетическим импульсом даже в советском быту. С тех пор оптимизм человечества остыл, наступили новые холода, в которых цепенеют наука и этика, политика и простой человек с улицы, потерянный и равнодушный к себе от усталости и переизбытка цифрового шума. Некая тризна по планете и человеку, по моему убеждению, есть суть цикла работ.

В печальной темноте постгуманистического караваджизма полотен Юлии планета гибнет как набор смыслов, которые обеспечивали ее сохранение в форме художественных образов и научных инструментов на протяжении тысячелетий. Микроскоп, дверца в тайный микромир XVII столетия, партитуры опер и страницы куртуазных романов в переплете из красного сафьяна – все это на созданной человеком технологической свалке, изображенной автором. Все изящные смыслы сгорели в среде, где исчезло милосердие. От темноты современности бессмысленно ожидать внутреннего импульса барочной религиозной веры. Милосердие человека к самому себе, к жизни как таковой обветшало и, как кажется автору этих строк, по этой причине осыпались смыслы искусств и наук.

Ряд работ художницы, представляющих артефакты из мира гуманитарной культуры прошедших эпох, аллегоричны по своей сути и создают ощущение давно забытых фигур, олицетворявших науки, искусства, религию, поэзию и музыку во времена, когда люди были неравнодушны к себе. Все это теперь забыто. Образы созданы нарочито реалистично: объемные, густые и глубокие фигуры отстраняются от зрителя благодаря омертвению тканей культурного процесса – искусства и ремесла стали схематичными симулякрами, мертвыми экспонатами в музее человека, в котором выключили свет. Из темноты полотен более не появится свет, а значит, не появятся новые слова и их значения.

Все то, что, по мнению наивного Аристотеля, могло способствовать очищению человеческой души, в работах художницы вобрало в себя опустошение значений и стало тенями культурных артефактов. Однако мы, читатели древних, всегда были нетерпеливы. В текстах философа очищение души тесно связано с болью и даже ужасом от переживаемого. Этот тяжкий путь человечество основательно подзабыло, а посему обречено теперь вспоминать самое себя в тиши космического мусора, ибо в работах Юлии перед нами проходит галерея утраченного.

Кажется, что неоклассицистическое и эмоционально стабильное пространство галереи начинает взаимодействовать с работами, отказываясь быть фоном, стеной для полотен. Интерьерам этой роли явно недостаточно. На фоне прямых геометрических линий космос и объекты в нем превращаются в отдаленное напоминание об искореженной современности. Книга гибнет не в огне инквизиции или диктатуры – текст еще можно спасти в самиздате. Книга по-настоящему погибает тогда, когда ее перестают читать.

Мы так быстро привыкли к постоянному развлечению, что надоели сами себе. Автор боится этой скуки, ибо она выедает смыслы, как кислота. Особо важное для меня полотно – «Нация» – как создание новой общины и культуры стало превращаться в маргинализацию Другого, в символическое насилие, запреты и романтические фасады, за которыми роятся множественные одиночества и обиды. Теперь венок традиционного костюма латышской нации парит в пустоте и лик нации расплывается в риторике радикалов. Для автора это предупреждение и вопрос – что осталось от нации как пространства принадлежности?

Суммой симптомов разрушения смыслов в цикле становится сама планета, которая превращается нами в склад цифрового мусора. И тут выставка открывает диалог с работами других авторов, которые рефлексируют на тему коллективного равнодушия, а художница становится сценографом и превращает выставку в единое пространство тревожного многоголосья, в котором невозможно понять, где выставка заканчивается. Пространственная рассредоточенность создает некий печальный Gesamtkunstwerk на тему разорванного текста культуры.

Kiwi, икона латвийского стрит-арта, захватил стену второго этажа и на фоне хайтек-освещения и прямых линий фойе вывел свою формулу гнева – нервного фиолетового монстра с милым животиком и грозными клыками, который стал почти домашним животным каждого рижанина, если тот проходит мимо хотя бы одной стены в центре города. Согласно Kiwi слепота есть самоослепление человечества, но мы не годимся в Эдипы современности, ибо слепота наша случайная, а не осознанная. Мы страдаем слепотой-оплошностью, не ведущей с помощью свободного выбора к новому свету и знаниям. Мы не заметили что-то очень важное, а потому и слепота наша есть обманка, и обманывают нас столь же слепые дельцы от памяти, политики и технологий.

Тема предметного разрушения Вселенной имеет ответвление в работах, которые обрамляют полотна Юлии. Новое, цифровое капище в форме сброшенных старых компьютеров увеличивается на глазах благодаря максимальному отсутствию природы, которая заключена в пластмассовые рамки телевизионных экранов и так становится воспоминанием о самой себе. Третья природа человека, цифровая, обещавшая бессмертие памяти, уже давно стала погоней за дополнительным терабайтом, оставляя после себя ядовитое послевкусие пластика, позволяя воровать прошлое, подделывать тело и память и преследовать Другого – того, кто отвергает диктатуру. Вот только у современного героя 1984 года больше нет желания вспоминать – а значит, и протест стал почти невозможным.

В работах художницы протест не стал бессмысленным. Зрителя приглашают наблюдать за разрушением в самом широком смысле слова –множество плюшевых игрушек, которые принесли дети разных школ, склад старых велосипедов и роликовых коньков становятся максимально наполненными человеческими ошибками и предупреждениями, желанием, статусным голодом и импульсом к вечному потреблению. Шлем мотоциклиста из космического равнодушия, обретающий черты черепа, перекликается с устаревшими моделями шлемов конца 90-х. Оба молчат. Ничего не помнят. Не умеют?

Город уже покинут, в нем есть только созданный нами мусор, к которому выставка относится с глубокой печалью и состраданием, как одинокий ангел с православной иконы на фоне лунного пейзажа космического послезавтра. С таким календарем росло мое поколение, веря, что мы не одни, но детские фильмы настаивали, что мы все же лучшее, что есть во множественных галактиках. Похоже, нас обманули – и послезавтра человечества мы пропустили.

Кажется, что пространство выставки в разных нишах и неоновых геометриях ламп становится многоликим и ведет параллельный рассказ о том, что произошло с нами. Рассказ ведется так, будто бы мы осматриваем место преступления и пишем протокол. Визуальная отстраненность и максимальное эмоционально-этическое включение работ создает интенсивно присутствующее натяжение, некий полог над темой саморазрушения человека как источника смыслов.

Над остывшим телом смыслов Юлия произносит свой мультимедийный некролог на разных языках. Русский и латышский верлибр звучит сквозь густую траурную вуаль и шепчет об апокалипсисе соцсетей, которые уничтожили оливковое дерево культуры, разорвав единение природы и человека. Новый Одиссей никуда уже не вернется, он вовсе не царь природы-Итаки, а сгоняемый концернами с поля крестьянин. Его оливу срубили, а масло разлили в алюминиевые банки и отправили за гроши на глобальный Север. Раздробленные корни деревьев и людей оплакиваются автором в поэтическом видении конца смыслов, встречающем зрителя на стенах галереи и превращающем его в наблюдателя изгнания все той же пары из Эдема периода глобального потепления и надвигающейся засухи.

Из ящика современной Пандоры, который aвтор создалa из остатков медийных слухов о новом атомном ударе, соседствующем с гневным фиолетовым чудищем, может появиться и надежда. На что мы можем надеяться сегодня? Кто нас спасет? Никто и ничто извне – сигнал SOS мы должны создать сами, иначе услышим только тишину. Юлия обеспокоена. Ее версия жизни SOS Life Matters – внутренний художественный призыв и глобальное беспокойство за ускользающий смысл.

 

Персональная выставка. Илзе Прейсa. «Метафорические игры».
25.01.2023. – 22.03.2023.

Символ – ключевое слово для художественной практики Илзе Прейсы, включающей в себя живопись и графику. Эту концепцию можно применить ко всем элементам, с которыми мы сталкиваемся в творчестве Прейсы, — к изображенным объектам и используемой цветовой политры. Они объединены в композиции, полные сюрреализма, что побуждает зрителя предаться азарту воплощения содержания произведений. Илзе Прейса использует в своих произведениях Греческие мифы и библейские мотивы, но не устанавливая конкретных границ для понимания предлагаемых символов. Часто персонажи библейских сюжетов и античной мифологии в современном контексте становятся точными выразителями актуальных представлений эпохи. Наличие мифологических мотивов, с которыми мы встречаемся в творчестве Прейсы, — обычное явление в современном искусстве, свидетельствующее о вневременности мифологической тематики. В работах преобладают отсылки к изображениям мирового культурного наследия, но, выделяя тот или иной сюжет, художница делает акцент на важных для нее личных историях. Используя мифологические песонажи художник рассказывает о человеческой природе, человеческих качествах – страсти, предательстве, гневе, любви. Природа человека не меняется. Следовательно, ассоциации, создаваемые этими образами, как нельзя лучше подходят для выделения той или иной стороны человеческой натуры.
В творчестве Илзе Прейсы иконография включает в себя самые разнообразные образы – бык, символ власти и силы земли, вызывающий напряжение своим присутствием силы, платье как символ трансформации и переодевания наводит на мысль о своей раздражающей энергией, экзотические птицы, красивые и страшные одновременно, прекрасная Медея, голова которой украшена изящными змеями, отталкивающими и соблазняющими одновременно, занавес, прикрывающий неизведанное пространство и побуждающий совершить решение - открывать его для просмотра или нет, коты с крыльями - действенные символы власти. Значимым элементом практически каждой работы этой выставки является черно-белый пол, расположенный в шахматном порядке, на котором мы узнаём хорошо известные в истории искусства среды, от комнат эпохи Возрождения до комнат сегодняшнего модерна. Этот элемент стремится объединить работы выставки в одну историю, состоящую из множества продолжений.
Важным элементом искусства Илзе Прейсы является цвет, который художница органично включает в свою теорию символов. Практически невозможно определить, какой из элементов, используемых в художественной практике, более точно выражает символический посыл произведений Прейсы - цвет или изображаемый предмет. В идеале они дополняют друг друга и живут в идеальном симбиозе.
И.П.: «Серия работ «Красное/Черное/Белое» создана путем размышления о событиях последних лет, о том, что происходит в мире, вокруг нас и во Мне.
Я выбрал эти три цвета, потому что, на мой взгляд, они лучше всего позволяют мне выразить эту историю, раскрыть свои чувства и показать мой взгляд на нее. Это сильные цвета с универсальным символизмом в искусстве и культуре. Цвета, которые всегда будут контрастировать друг с другом. Применяя этот спектр из трех цветов и комбинируя их в разных вариациях, каждый раз складывается новая история. Это мой разговор со зрителем».
На выставке представлены литографии Прейсы, в которых художник продолжает темы, реализованные в картинах, но благодаря технике и черно-белой эстетике формируются другие интонации. И.П.: «В этих работах я как бы отдыхаю, тем самым отдыхая и умом от насыщенности «красок» мира.
Искусствовед Диана Барчевска
На выставке «Метафорические игры» прозвучат пять музыкальных композиций шведского музыканта и композитора Фредрика Карлквиста (кларнет, саксофон), вдохновленных картинами художницы Илзе Прейсa. Эта музыка впервые прозвучала в Барселоне, на выставке Илзе «Метафорическое пространство».


diena.lv

delfi.lv

nra

LTV

LiveRiga

LR1

rus.lsm

arterritory

titanium

«Ловцы солнечного света»
Мы продолжаем осенний лекционный сезон новым форматом общения и приглашаем вас принять участие в цикле встреч и мероприятий, придуманных нами специально для вас – думающих, ищущих, интересующихся жизнью, искусством и творческим мышлением.

12 ноября, в субботу, арт советник, лектор нашей галереи Юлия Осипова расскажет нам об испанских импрессионистах, их творчестве и истории развития направления в этой стране. В заключение вечера Вас ждёт тест – сюрприз, небольшой шедевр, который вы сделаете своими руками при помощи красок и кисточки и унесёте домой как память и впечатление о встрече с импрессионизмом.

Итак:
Когда: 12 ноября, суббота,
Время: 16:00.
Где: галерея MuseumLV культурного центра Grata JJ
Стоимость участия: 30 евро. Все материалы включены в стоимость билета. Абонемент на 2 лекции - 50 евро, 5 лекций - 130 евро. Язык общения русский, латышский, язык лекции - русский.

Билеты можно приобрести в галерее, а также с 8 ноября на
https://www.bilesuserviss.lv


Испанские последователи великих импрессионистов были не просто хорошо образованы, они прошли художественные школы ведущих европейских столиц и по-настоящему любили свою родину. Именно это соединение так четко выделяло испанских импрессионистов. Испанцы Мариано Фортуни, Сантьяго Русиньоль, Рамон Касас, Игнасио Сулоага и, конечно, Хоакин Соролья являются не менее значимыми представителями импрессионизма, чем их французские коллеги.

Во время лекции вы найдёте ответы на такие вопросы, как:
- Почему Мариано Фортуни стал кумиром молодых художников?
- Как Сантьяго Русиньоль из яркого импрессиониста стал одним из лидеров каталонского модерна?
- Кто играл ключевую роль в открытии популярного артистического кафе «Черный кот» в Барселоне?
- Почему Рамон Касас это испанский Гюстав Кайботт?
- Кто стал первым графическим дизайнером и автором рекламных плакатов?
- Кто из Испанских импрессионистов был фантастически популярен в Европе и Америке?
- Почему Игнасио Сулоага подозревается в фальсификации живописи для русского коллекционера Ивана Щукина?
- Почему одна из улиц Валенсии была названа в честь Хоакина Сорольи уже при его жизни?

В ноябре вас ждут ещё 4 интереснейшие лекции о самом позитивном направлении живописи - об истории импрессионизма во Франции, Испании, России и США.
До встречи в галерее MuseumLV 12 ноября!

Курс лекций в галерее MuseumLV "Великие коллекционеры и коллекции"

Мы начинаем новый курс лекций в галерее MuseumLV. Как всегда, приглашаем вас встретиться с нашим лектором Юлией Осиповой по вечерам во вторник, чтобы поближе познакомиться с захватывающим миром искусства.

5.04.

Поль Дюран-Рюэль и его импрессионисты.

Личность, сыгравшая главную роль в появлении термина «современное искусство» и арт-дилерства как рода деятельности. Благодаря ему появился импрессионизм, а такие художники, как Моне, Сезанн, Дега, Ренуар, Писсарро, смогли в прямом смысле выжить и получили возможность творить свои живописные шедевры.

19.04.

Амбруаз Воллар – дирижер искусства.

Искусство XX века стало таковым только благодаря Амбруазу Воллару — одному из самых влиятельных торговцев искусством в Париже рубежа XIX-XX веков, коллекционеру, арт-дилеру, тонкому ценителю, другу и покровителю многих мастеров того времени, человеку, открывшему миру Гогена, Ван Гога и Сезанна.

26.04.

 Павел Третьяков – коллекция длиною в жизнь.

Великий коллекционер и галерист, купец, предприниматель, меценат. На протяжении всей жизни собирал картины русских художников. Собрав одну из крупнейших коллекций русской живописи и целую галерею прижизненных портретов своих выдающихся современников, передал уникальную коллекцию в дар родному городу.

Выбрав цель, он шел к ней, не отклоняясь от намеченного пути ни на шаг.

3.05.

  Сергей и Петр Щукины – коллекции влюбленных в искусство.

Семье Щукиных принадлежала одна из самых обширных коллекций произведений искусства со всего мира, положившая начало коллекциям французской модернистской живописи в Эрмитаже и ГМИИ, а также Щукинского музея.

У Сергея Щукина было ещё три брата — старший Пётр и два младших, Дмитрий и Иван. И все они были страстными коллекционерами, их собрания были такого же высокого уровня.

Они были очень разными людьми, но всех объединяла любовь к прекрасному и тяжёлые испытания судьбы, такие сильные, что не все смогли их вынести.

10.05.

Иван и Алексей Морозовы – коллекционеры из самой нетипичной купеческой семьи.

Братья Морозовы обладали одним из богатейших собраний французских импрессионистов и постимпрессионистов в мире. В начале ХХ века как художники, так и парижские галеристы, с нетерпением ожидали приезда русских коллекционеров миллионеров в столицу. Они собирали самые знаковые работы Пикассо, Матисса, Гогена и Ван Гога.

17.05.

Пегги Гуггенхайм – синоним успеха современного искусства.

Главная покровительница художников ХХ века и страстный коллекционер, собравшая лучшую коллекцию искусства первой половины прошлого столетия, в которую вошли произведения Пикассо, Поллока, Бранкузи, Миро, Ротко, Джакометти и Дюшана. Она была человеком, который активно и с любовью продвигал абстракционизм, сюрреализм и другие арт-новинки XX века. Без нее этот век для живописи был бы совсем другим.

7.06.

Георгий Костаки – учлеченный искусством авангарда.

Влюбившись однажды в яркие краски и смелые формы, ведомый интуицией и азартом, он сделал коллекционирование произведений авангарда смыслом своей жизни. Коллекция Костаки — единственная в своем роде: такой подборки русского и советского авангарда нет ни в Третьяковской галерее, ни в Русском музее, ни в Центре Помпиду, ни в Музее Гуггенхайма. Его нередко сравнивают с ключевыми русскими коллекционерами — П.Третьяковым и И.Морозовым, но его творческий путь был более необычным.

Где: художественная галерея MuseumLV , Andreja Pumpura iela, 2, Rīga
Время: 18:50 - 20:30
Стоимость 1 лекции: 15,- €.
Стоимость абонемента на 4 лекции 50,- €
Приобретение абонемента на блок из 4 лекций по дружественной цене в 50,- € возможно только ДО НАЧАЛА КУРСА и только непосредственно в галерее.

Просим Вас заранее приобретать билеты, оплатив билет • в галерее • банковским переводом • в SIA “Biļešu Serviss”. Продажа билетов на каждую лекцию заканчивается за 2 рабочих дня до мероприятия.

Для подтверждения платежа и Вашего места, пожалуйста, предварительно позвоните нам по
тел.: 25409000 или напишите заранее на info@museumlv.com